PAD Paris 2023

Rêveuse, littéraire, dessinatrice, Claire Lindner a travaillé la peinture, le graphisme, le verre et la céramique aux Arts Déco de Strasbourg et au Camberwell College of Arts de Londres avant de découvrir les grandes forêts canadiennes, où une nature luxuriante a conquis son imaginaire. Elle crée aujourd’hui depuis un atelier familial niché au cœur des Pyrénées.

« Les pierres sont remplies d’air » écrivait le poète surréaliste Jean Arp, figure d’influence pour celle qui entend stimuler à outrance l'imagination du spectateur. Donner du poids à ce qui n’en a pas…. Ou l’inverse ! Inspirée par l’univers des fonds marins, par les phénomènes d’apesanteur et les formes naissantes, Claire Lindner produit des sculptures qui ont intégré des collections aux quatre coins du monde et qui occupent désormais l'esprit des plus fins connaisseurs de l’art de la céramique.

Les expositions «Ceramics Now» à Paris, «Formes vivantes» à la Manufacture et Musée nationaux à Sèvres, «Contre Nature» au MOCO à Montpellier, ou encore «Toucher Terre» à la Fondation Villa Datris à L'Isle-sur-la-Sorgue en 2022 et à l’espace Monte-Cristo à Paris d’Avril à Décembre 2023, ont fait de Claire Lindner une artiste majeure de la scène contemporaine. Finaliste du LOEWE FOUNDATION Craft Prize 2023, sa pièce Buisson N°2 est exposée pour l'événement au Noguchi Museum de New York. En Juin 2023, l’artiste réalise une série d'œuvres inédites, dévoilées par le Musée Théodore Deck dans le cadre d’une exposition personnelle.

Nouvelle, mystérieuse, hypnotisante, subtilement colorée, l’esthétique de Claire Lindner a marqué son empreinte sur l’art contemporain et fait de cette artiste française une figure désormais incontournable de la céramique du 21ème siècle.

Intentionnellement brutes, les créations de Faye Hadfield sont le résultat d’un anthropomorphisme appliqué. Empruntant le schéma d’une forme classique proche de l’amphore grecque pour façonner et transmettre le motif traditionaliste du vase de tous les jours, elle laisse la plasticité de l’argile s’exprimer, simple et brute avec les traces de son modelage. Ses œuvres ornées de smileys en céramique incarnent des expressions d’un langage contemporain réjouissant et immédiat, celles d'une émotion, d'un sentiment. Elles prennent la forme de petits êtres en forme de vase, de sculptures faussement utilitaires.

Le smiley et le vase sont présents dans le quotidien de tous. Il y a un sentiment plaisant de familiarité, de proximité, chaque pièce est unique par l’expression, les contrastes et les motifs qui les composent. Lustres et emails pop, éclatants et saturés les rapprochent de l’esthétique réjouissante du néo-kitsch. Cette démarche se moque bien de l’esthétique sérieusement ennuyeuse de certains intérieurs bourgeois, composés d’objets à l'exécution parfaite et sans surprise. Les œuvres de Faye Hadfield stimulent, accrochent, amusent le regard. Contentement, joie, connivence, autodérision, ses sculptures sont nuancées et permettent un large panel de lectures.

Énergique, souriante et délicate à l’image de ses œuvres, Faye Hadfield fait ses études à l’université de Bath où elle s’est spécialisée dans la sculpture et la céramique. En 2022, une de ses pièces “Tropical” est acquise par le OMM, L’Odunpazan Modern Museum, en Turquie. Elle entre ainsi dans les collections d’une institution qui amène sa pratique vers de nouveaux horizons. Elle est exposée dans Ceramics Now pour la première fois en 2021 et est depuis représentée par Florian Daguet-Bresson.

Elle poursuit actuellement sa pratique artistique au sein d’un programme de recherche de l’université d’Iowa au côté de l’artiste Andrew Casto, lui aussi représenté en Europe par Florian Daguet-Bresson.

Une tentative de confondre les connotations que la technologie et le matériau provoquent. Tantôt composition constructive, tantôt destruction délibérée, tantôt vase, tantôt fragments ou même objets aliénés. La manipulation du matériau et les méthodes de création de volume et de forme sont improvisées - sciées, creusées, empilées, trouvées ou peintes. Les joints et les fissures, les taches de couleur et les peintures inachevées semblent provisoires car ils pointent l'objet fini vers l'instant de la fabrication. Ce n'est pas la perfection de l'expression ultime qui est recherchée, mais l’évolution des choses.

David Pye dit : "Tout objet que nous concevons et produisons est de fortune, est improvisé, est inapproprié et provisoire."

“Quelle est la fonction des récipients aujourd'hui ? Que peuvent-ils contenir ? Je n'ai pratiquement jamais pensé aux fleurs.”

Origami, pâtisserie ou élément géologique ? A la fois composition abstraite et petit monument, les œuvres de Jongjin Park troublent nos perceptions de la matière. Par la mise en œuvre de techniques proche d'actes méditatifs, les œuvres de Jongjin Park sont érigées grâce à la capacité du papier à contenir de la terre liquide. Le processus est lent, minutieux, répétitif. Les compositions ainsi obtenues par stratification et modelage des fibres chargées en terre, permettent d’obtenir des volumes rythmés aux couleurs variées et ajustées à l’univers doux et pastel de l’artiste sud coréen.

Durant la cuisson, le papier qui a permis la construction de la sculpture se désagrège, transformant la matière et laissant son empreinte. Le contenant n’est plus là mais sa présence est intacte. La poésie de son processus de création ainsi que l'expression de ses œuvres, leur potentiel effritement, nous amènent à un autre rapport à l’objet. Un flirt avec un éphémère éternel. Comme un bouquet de fleurs séchées, la perte d’un pétale n’est qu’un accident qui accompagne la vie de l’œuvre. Ainsi comme une écriture, comme une encre gorgeant un papier, les œuvres de Jongjin Park nous dessinent des poèmes formels aux rimes délicates et vibrantes.

Jongjin Park fait aujourd’hui partie de ses artistes qui explorent les potentiels esthétiques de la céramique contemporaine. Il enseigne à la Séoul Women’s University et est présenté dans de nombreuses expositions aux autres coins du globe.

“Je veux que mon travail ressemble à ce qu'un enfant très doué aurait pu faire, maladroit et élaboré à la fois.” “Au départ, le spectateur peut, à tort, être attiré par mes figures en pensant qu'il s'agit de jouets, mais un examen plus approfondi révèle une histoire plus trouble.” Les sculptures de Malene Hartmann Rasmussen vous invitent dans un monde irrationnel et surréaliste où les choses ne sont pas ce qu'elles semblent être. Un moment figé qui indique une histoire et une ambiance, mais qui permet en même temps au spectateur de filtrer ses propres références, de donner un sens et de contribuer lui-même à l'histoire.

Basée sur son histoire personnelle, Malene Hartmann Rasmussen crée des poésies narratives par la réalisation de sculptures fantastiques.

Son site internet www.malenehartmannrasmussen.com

Pour Ceramics Now ils créent des céramiques dont les motifs deviennent des éléments de petites narrations pleines d'humour, inspirées par l’influence de l’homme sur la nature. Une bonne recette pour sourire à l’époque de l’Anthropocène.

Ainsi des fourmis viennent siroter quelques gouttes d’alcool tombées sur la table de la soirée de la veille, celles-ci réparties entre quelques capsules de bières et une paire de clefs oubliées. Quelques abeilles viennent butiner des marguerites réfugiées dans les mailles d’un vieux grillage. Ou encore un panier oublié au fond du jardin qui devient la nouvelle maison de nombreux petits animaux.

Très inspirés par l’univers des vacances et de la Méditerranée, en écho à Pablo Picasso et à Daniel Spoerri, ils remontent de leurs filets et de leurs nasses de petits poissons, crustacés, pieuvres et mollusques qu’ils composent dans leurs joyeuses assiettes de la mer.

Son univers est graphique et animé par un goût de l’étrange, le manga, le dessin animé, les objets vaudous, le graffiti, la sculpture précolombienne ou la céramique d’art premiers sont des références qui émanent de l’esthétique produite par ses œuvres. Timothée Humbert compose des personnages extravagants qui se forment et se déforment, se dessinent et s’agitent, formant les acteurs d'un théâtre onirique. Il s'abstrait des techniques traditionnelles, il compose ses sculptures par un assemblage de bandelettes de grès, qu'il colore par l'application d'un émail mat dont il a le secret de fabrication. Des sculptures en céramique qui nous trompent l’œil et le font voyager au-delà du réel. Timothée Humbert est un artiste pluridisciplinaire, sculpteur, peintre, céramiste, dessinateur, la matérialité n’est pas une frontière pour exprimer ses désirs créateurs.

Diplômé des Arts Décoratifs de Strasbourg en 2004, il s'installe en 2005 à Bonnieux, village de Provence dans lequel il conçoit une production utilitaire et occasionnellement quelques figurines. En 2021, il rencontre Florian Daguet-Bresson qui, charmé par son travail, lui commande une production particulière exposée à Ceramics Now 2022. Ce fut un succès immédiat. Timothée Humbert fait partie aujourd'hui des figures de proue des artistes émergents utilisant la céramique comme médium d'expression.